WEBTOON 심화편 돌배 작가의 연출 비법
웹툰에서의 좋은 연출 방법
안녕하세요 돌배 작가입니다
저는 이번에 연출에 대해서 한번 이야기 해보려고 합니다
연출이란 뭘까요?
웹툰에서는 연출이라는 것은
글로 쓰여진 이야기를 눈으로 볼 수 있도록
시각화하는 작업을 말합니다
영화에서는 배우가 연기를 해서 보여주고
조명 감독이 빛을 비추고
또 카메라 감독이 그거를 프레임에 담고
배경 디자이너가 배경을 꾸미면서
여러 사람이 하나의 샷에 들어가는 시각화를 분업하게 되죠
그런데 웹툰에서는 주로
작가 한 사람이 모든 것을 담당하는 경우가 많습니다
그래서 보통 연출이 사람들이 생각하기에
작화가의 영역이라고 생각할 수 있겠지만
사실은 글과 그림 그 중간에 연출이 있다고 생각하시면 됩니다
스토리 작가가 콘티를 연출해서
그림 ㅠ작가에게 전달할 수도 있고요
스토리 작가는 텍스트만 작성해서
연출을 작화가에게 넘길 수가 있습니다
보통 스토리 작가라고 하면
스토리 글만 쓰고 글을 다시 넘긴다
작화가에게 넘긴다 이렇게 생각할 수가 있는데
제가 아는 글 작가 중에서는 스토리보드
그러니까 콘티까지 하고 싶어하는 글 작가들이 꽤 있어요
그래서 연출을 스토리 작가가 맡아서 하는 경우도 있었습니다
그래서 그거는 어떤 작가가
누구와 일하느냐에 따라서 좀 달린 것 같고
초보 작가들이 협업하는 경우에는
이 연출이라는 과정에서 자칫하면 쉽게 싸울 수가 있어요
그만큼 까다롭고 사람마다 생각하는 게 다르고
개인차가 큰 것입니다
그러니까 연출이라는 것이 내 머릿속에서
이번 화에는 누구누구랑 싸우는 장면인데
이렇게 이렇게 연출하면 좋겠다고
글 작가가 생각을 하고 이렇게 썼는데
이 글을 연출하시는 작화가에게 넘겼더니
그 작화가는 이 싸움은 이렇게 이렇게 해야 돼
내가 글 작가가 생각한
전혀 다른 방식으로 연출을 하게 됐을 경우
글 작가는 그만큼 내 스토리에
굉장한 감정을 이입을 하고 있단 말이에요
그래서 이 연출을 봤을 때 좀 기분이 이상할 수가 있죠
그리고 이건 아닌데 라고 생각할 수가 있어요
그러면 이렇게 말하면
내가 생각하는 연출은 이건데
아닌데 내가 생각하는 연출은 이건데
이렇게 해서 의견이 갈릴 수가 있습니다
그래서 까다롭고 사람마다 생각하는 게 다르고
개인차가 큰 것이라고 생각을 해요
그런데 제가 생각하는
저는 1인 작가거든요
저는 글, 그림 따로 하진 않고
글, 그림을 모두 같이 하다 보니까
그 중간에 해당하는 연출
그러니까 저는 글도 하고 연출도 하고
그림도 그리는 작가인 거죠
이렇게 1인 창작자로서 제가 작가로서 생각하는 연출이란
혹은 내가 내일부터 38화 연출해야 돼 라고 했을 때
제가 떠올리는 연출의 과정이란 이런 겁니다
세로 스크롤이 이렇게 있으면
긴 캠퍼스가 이렇게 있어요
세로 스크롤에 긴 캠퍼스에
내가 스토리가 있는데 이 스토리를 어떻게 넣는지
어떻게 컷을, 네모 컷을 그리고
가로를 길게 넣을 건지 세로를 길게 넣을 건지
그리고 대사를 어디에 넣을 건지
그리고 인물은 언제 등장을 하고
어디에서 등장을 하고
어떤 모습으로 인물이 등장을 하고
어떤 각도와 어떤 크기로 넣고
또 인물 뒤에 들어가는 배경은 어떻게 보여줄 건지
이거를 컴퓨터 앞에서 이렇게 생각을 하면서 그리는 거예요
그래서 연출할 때는 굉장히 뇌가 피곤해집니다
웹툰 연출에서 가장 기본적이고 가장 중요한 것은
가독성이라고 할 수 있겠습니다
이게 무슨 말이냐면
이 웹툰을 읽고 독자가 읽고
이해가 잘 되게 만드는 것이
작가로서 연출자로서 첫 번째라는 말입니다
그러니까 굉장히 화려한 연출로 과한 연출로
웹툰 스토리에 대한 이해를 망치지 말아야 한다는 것을
꼭 염두로 해두세요
이게 무슨 말이냐면 한 컷을 구성할 때
이 컷에서 독자들이 이런 내용을 이해할 수 있도록
잘 전달해야지라는 의도로 연출해야 돼요
예를 들어서 어떤 인물이 등장을 하는데
이 인물이 예를 들어서
굉장히 꿍꿍이를 가지고 있는 인물이라고 하면
굉장히 음침하게 등장을 한다든가
아니면 그 사람의 측면만 잡아서
뭔가 숨기고 있다는 듯한
정면을 일부러 숨겨준다든가 이렇게 해서
내용이 우선이어야 돼요
내용이 우선이어야지 너무 클로즈업만 해서
이쯤에서 다른 걸 보여줘야 할 것 같아서
그 사람의 시계를 보여준다든가
아니면 그 사람의 풀샷을 보여준다든가
이런 의도로 연출하는 것은
접근 방법이 잘못된 거라고 생각을 합니다
작가의 의도가 설명되지 못하는 연출은
잘 된 연출이 아니라고 생각해요
이 컷은 이러한 이유로 이렇게 구성하였다
이게 명확하게 있어야지 됩니다
출판 만화 시절에는 그런 게 있었죠
한 페이지에 종이로 한 페이지에
많은 컷들이 동시에 눈에 들어오기 때문에
너무 클로즈업만 있거나
너무 왼쪽 방향만 있게 되면
이게 한 눈에 다 들어와요
그렇기 때문에 왜 이렇게 컷이 지루하지?
라는 생각이 들 수 있기 때문에
출판 만화의 방식은
웹툰 방식이랑은 조금 다르게 진행이 되었습니다
그래서 그때는 너무 단조로운 카메라 워킹은
피하자라는 룰이 있었어요
그래서 보면 영상 연출과는 굉장히 다른 문법을 가지고 있어요
저도 처음에 출판 만화를 공부했을 때 봤을 때
이렇게 인물이 등장하면 다음 컷에서는
이렇게 등장하지 말고 다르게 연출한다든가
또 풀샷을 넣는다든가
굉장히 화려한 방법으로 컷을 구성하고는 했었습니다
그런데 웹툰은 출판 만화랑은 달라요
한 컷을 보고 스크롤을 넘기죠
다른 컷이 이렇게 밑에 있어요
그러면 영상이랑 비슷하게
그 전에 있었던 컷을 보고 치워버리는 거죠
다음에 나오는 씬을 보게 되는 거예요
이렇게 되니까 다른 컷으로 넘기게 되면
그 전 컷을 잊어버리게 돼요
이게 세로 스크롤 형식이니까요
그렇기 때문에 웹툰의 연출 방식은
출판 만화의 공식보다는 제가 생각했을 때는
영화 영상의 공식과 비슷하다고 생각이 듭니다
그리고 웹툰은 종이책보다는
훨씬 더 집중하기가 어렵거든요
핸드폰으로 전자기기로 보기 때문에
빛이 눈 이렇게 나와서 피곤해지기도 하고
계속 스크롤하면서 보기 때문에 이 컷이 계속 움직여요
그러니까 눈이 계속 이렇게 왔다 갔다 하는 거죠
그래서 집중을 굉장히 방해합니다
책이랑은 달리 책은 이렇게 보고
가만히 그냥 이렇게 눈만 따라가는 거죠
그런데 스크롤은 손가락을 움직여서
이렇게 왔다 갔다 하기 때문에
우리의 집중을 굉장히 방해할 수가 있어요
그렇기 때문에 웹툰 독자들은
만화책으로 보던 독자들보다
충성도가 매우 떨어지고
작가들이 잘 떠먹여줘야지
그제서야 스토리를 따라올 수가 있습니다
그렇기 때문에 출판만화 시대 때보다
우리가 작가들이 무조건 이해가 쉽게
가독성 있게 이야기를 시각화해서
전개를 해야 되는 겁니다
요약하자면 우리가 연출을 할 때
좀 지루하지 않은가?
지루하지 않은 연출보다는
이해가 잘 되는 연출에 더 신경을 쓰세요
어차피 독자는 이해를 못해요
어차피 이렇게 내가 현란한 연출
아니면 되게 산뜻한 연출을 줘봤자
이해시키기가 진짜 진짜 어렵거든요
그러니까 이해를 먼저 잘 시키고
그다음에 내가 좀 연출적으로
돋보이는 연출을 하면 됩니다
그러니까 단순한 연출로 이야기의 본질을 전달하되
거기서 조금만 더 플러스 알파로 현란한 연출로
뭔가 볼거리를 선사하는 것도 좋다고 생각을 합니다
그런데 가끔 뭐랄까
단순한 연출을 선보여야 할 때 뿐만이 아니라
굉장히 현란하고 와장창하고
이런 연출을 선보여야 할 때가 있어요
그때는 어떤 때이냐면 스토리가 필요할 때예요
그러니까 스토리가 이런 스토리인데
이 스토리는 뭔가 굉장히 임팩트가 강하고
뭔가 보여줄 것이 많고
이때는 화려한 연출이 필요해요
그렇기 때문에 제가 아까 말씀드린 것 같이
가독성 그리고 이해가 잘 되는 연출
스토리가 필요할 때
이 연출을 도와준다는 생각으로 접근을 하셔야지
스토리가 연출을 도와줘서는 안 돼요
연출은 스토리를 잘 보완하는 존재라고
생각하시면 좋을 것 같습니다
그런데 어떻게 가독성을 높이면 좋을까요?
그렇죠 그런데 말을 잘하는 사람도 그렇지만
말을 잘할 때 그리고 뭔가 이야기를 잘 전달할 때
그 사람이 듣는 사람의 입장에서 생각하면 좋아요
듣는 사람의 입장에서 이렇게 하면 이해가 잘 되겠구나
보는 사람 입장에서 이거를 소개하면
이해가 쉽겠구나를 생각하면 좋은데
영상에서 법칙들이 좀 있습니다
가독성을 높이는 이해가 잘 되게 하는 법칙들
첫 번째로는 영화 법칙 중에서 180도 법칙이라고 있는데요
이 법칙을 웬만하면 잘 지키면 좋아요
180도 법칙이라고 하면 어렵게 느껴질 수가 있는데
쉽게 말하자면 컷이 하나 있는데
혹은 영화라면 씬이 하나 있는데
그 씬에서 인물들의 방향은
되도록이면 통일시켜주는 것을 말합니다
제가 되도록이면이라고 말했죠?
그런데 이 되도록이면이라고 말한 이유가
이 법칙, 이 180도 법칙
항상 씬 안에서 그 인물은
동일한 방향을 유지하면 좋다 이 법칙은
종종 작가의 의도에 의해서 깨질 수가 있기 때문입니다
제가 최근에 영화를 하나 봤는데
영화 안에서 등장인물의 악마성
그러니까 굉장히 악한 모습을
묘사하고 싶었던 것 같아요 그 감독이
그래서 그 씬 안에서 굉장히 뭔가 불편하게
이 인물의 방향을 계속 바꾸더라고요
그렇기 때문에 보는 사람에서는 의아감이 들죠
의아감이 들고 왜 갑자기 방향을 바꿨지라는 생각이 들고
원고 안에서 원고가 아니라 씬 안에서 굉장히 어색하고
이런 느낌이 보는 사람 입장에서는 들 수가 있거든요
그러니까 우리가 그릴 때
원고 안에서 어색함을 표현하고 싶거나
인물의 불안정한 심리 상태를 보여주기 위해서
뭔가 삐그덕거리는 연출을 하고 싶을 때
이 180도 법칙을 어길 수가 있습니다
그런데 그런 특별한 이유가 없다면
웬만하면 지켜주시는 것이 좋아요
예시를 한번 보시죠
오이와 돌배가 이렇게 대화를 하고 있습니다
오이는 왼쪽에 서서 오른쪽을 바라보고 있고
돌배는 오른쪽에서 왼쪽을 바라보고 있는데요
두 번째 컷에서 보시면 이 방향을 바꿔서
돌배를 왼쪽에서 오른쪽으로 바라보게
카메라를 돌려버리면 독자들은
여기 돌배가 뒤를 돌아서서 다른 사람을 보고 있나?
라고 생각을 하게 됩니다
갑자기 방향이 바뀌었잖아요
그러니까 당연히 이 중간중간에 컷과 컷 사이에는
돌배가 뒤를 돌아보는 장면이 있었구나라고 생각을 해버립니다
웹툰에서는 영상과는 다르게 컷과 컷 사이가 존재해요
홈통이라고 하는데
이 홈통 안에서 무슨 일이 벌어지고 있느냐는
독자들의 상상에 맡기게 되거든요
그러니까 누가 대화하고 있는 씬이 있는데
이렇게 두 사람이서 대화를 하고 있는데
컷 그리고 다음 컷이 등장해요
다음 컷에서 다른 게 등장하면
독자들은 머릿속에서 이 컷과 이 컷 사이에
뭔가가 있구나라는 생각을 하기 때문에
여기서 돌배가 뒤를 돌아보고
다른 사람을 보고 있나라고 생각을 하게 됩니다
하지만 스토리상에서 보면 그런 내용이 없잖아요
그러면 뭔가 이상함을 느끼죠?
그래서 자연스럽게 대화를 이어가는 것처럼 보이기 위해서는
이 두 번째 컷에서 이 방향을 반전시키면 돼요
원래 했던 돌배 방향으로
이렇게 다시 돌아가면 되는 거죠
그러면 독자들이 자연스럽게
아, 여기서 그냥 이야기를 하고 있구나
라고 생각을 하게 됩니다
이게 굉장히 사소해 보이는데요
이런 연출상에 사소한 문제들
사소한 이해 안 가는 상황들이 계속 반복되다 보면
독자들은 읽다가 지쳐버리는 경향이 있습니다
그래서 작품을 보다가 재미없다고
가버리는 경향이 있기 때문에
이렇게 독자의 이해를 방해시키는
사소한 연출 실수 같은 건
웬만하면 안 하시는 것이 좋습니다
그리고 컷 안에서
3분할 해서 겹치는 부분 있잖아요
그 부분이 가장 독자들의 시선이 잘 주목되는 공간이에요
그러니까 이렇게 컷이 있으면 겹치는 이 부분에
중요 요소를 배치하면
편안하게 독자들의 시선이 주목됩니다
이거 역시 인물의
불안하고 초조한 심리 상태를 나타내기 위해서
가장자리에 불편하게 배치시킬 수가 있거든요
그런데 아무 이유 없을 때는
독자들의 눈에 가장 쉽게 잘 들어오는
3분할 겹치는 부분에 중요 요소를 배치하는 것이 좋습니다
인물로 치자면 겹치는 부분에
눈동자를 배치한다든지
또 인서트 샷에서 시계를 보고 있는
모습을 강조하고 싶으면 시계만
이렇게 해서 숫자 들어가는 부분
그 부분을 중요 부분
3분할 겹치는 부분에 위치한다든지
이렇게 중요 요소를
가장 잘 보이는 곳에 위치하면 좋습니다
또 컷에서 인물을 그릴 때
인물의 시선 있잖아요
그러니까 독자들이 컷을 보고
그 인물을 볼 때 독자들은 눈을 봐요
우리도 이야기할 때 꼭 눈을 보거든요
그런데 그 눈이 굉장히 중요한데
그래서 눈을 3분의 2 겹치는
그 부분에 배치시키라고 하는 거고
또 눈을 볼 때 그 인물의 시선이 향하는 곳 있잖아요
이렇게 본다든가 이렇게 본다든가
그러면 그 시선이 향하는 쪽으로
여백을 더 많이 주면 좋습니다
우리도 사람을 볼 때 그 사람이 보고 있는 방향으로
나도 모르게 이렇게 보게 된단 말이에요 궁금하고
그래서 웹툰을 볼 때도 주인공이나 인물들이
어디를 보고 있다면 이렇게 멍때리고 있거나
아니면 이렇게 유심히 보고 있거나 하면
그 컷 자체에서도 조금만 더 시선적으로
여백을 더 많이 주면 좋습니다
사진을 찍을 때도 마찬가지죠
저는 웹툰 연출을 이야기할 때
사진과 비슷하다고 얘기도 하는데요
뭔가 사진을 찍을 때
우리가 조금씩 지켜야 하는 법칙들이 있잖아요
인물이 왼쪽을 보고 있다면
뭔가 왼쪽에 더 많이 공간을 줘서 뭔가 설명해주고
오른쪽이라면 오른쪽으로 더 많이 설명을 주목해 주는 거죠
독자들도 우리와 마찬가지로 궁금하기 때문에
이 인물이 무엇을 보고 있는지
그렇기 때문에 인물이 보고 있는 방향으로
정보를 조금 더 줍니다
그리고 이거는 제가 최근에
웹툰을 많이 보면서 느꼈던 건데
우리가 세로 스크롤이라는 새로운 형식이 우리한테 왔잖아요
이전에는 출판만화에서는
굉장히 한계가 있는
작은 지면에 한계가 있었는데
우리가 세로 스크롤 웹툰의 형식으로 오게 되면서
굉장히 풀샷의 비율이 많아졌어요
풀샷이란 뭐냐면
인물의 머리부터 발끝까지
모두 컷 안에 등장하는 것인데요
굉장히 인물이 커지는 거죠
인물이 크게 들어가서
뭔가 풀샷이 굉장히 자동적으로
세로로 굉장히 길어져요
그런데 우리가 책으로 볼 때
출판만화에서는 아까 말했듯이
지면에 한계가 있기 때문에
꼭 필요한 경우가 아니면 풀샷은 전혀 쓰지 않았습니다
특히 커다란 풀샷은
넣더라도 굉장히 중요한 장면에서만 쓰고요
풀샷을 넣게 되면 나머지 공간
중요하지 않은 공간은 풀샷으로 넘어가버리기 때문에
뭔가 그 좁은 공간을 나눴을 때
뭔가 되게 불편한 점이 있었거든요
그렇지만 우리가 웹툰으로 넘어오면서
세로 스크롤이라는 감당하기 어려운 자유가
우리에게 주어졌어요
이 세로 스크롤이라는 자유 때문에
공간을 너무 남용하는 경우가 때때로 있어요
그래서 컷을 굉장히 무조건 길게 만드는 거죠
인물도 머리부터 발끝까지 넣고
신발 브랜드까지 보여주곤 하거든요
그런데 제가 생각했을 때 그런 세로로 긴 풀샷은
꼭 중요한 컷에서만 쓰는 것이 좋다고 생각을 해요
왜냐하면 스크롤을 하면서
불필요한 정보를 보면서 화면을 보는 것이
눈에 굉장히 피로하기도 하고
스크롤을 하면서 주인공의 엉덩이와 종아리까지
볼 필요는 없다고 보는 거죠
그래서 중요한 컷을 제외하고는
인물의 종아리나 허벅지 아니면 허리에서
적당히 잘라주는 것도 좋습니다
그리고 카메라를 쓸 때
기본적으로 아이레벨 카메라로
미디엄 샷을 기본으로 생각하시면 좋아요
그리고 꼭 필요한 경우가 아니라면
앵글을 아이레벨에서 높이거나 낮추지 않습니다
연출에 대해서 내가 잘 모르겠다면
무조건 아이레벨 미디엄 샷을 기본으로 쓰세요
단조롭다고 생각 되는데
단조로워도 돼요
일단 미디엄 샷을 기본으로 잡아놓고
인물의 동작을 더 잘 보여주고 싶다면
카메라를 뒤로 빼고
인물의 표정을 보여주고 싶으면 가까이 들이밀면 됩니다
마치 실제로 어떤 카메라 감독이 현장에 나가서
실물 카메라를 들고 찍는다고 상상을 해보세요
그 카메라 감독의 눈높이
그 카메라 감독의 인물과의 거리를
상상해 보면서 연출을 해보세요
그 카메라 감독이 바로 독자입니다
독자가 마치 그 현장에 가 있는 것처럼
카메라를 써보시는 것이 좋아요
2인 대화 장면 연출 방법
그리고 이번에는 사람들이 어려워하는
2인 대화 씬 연출하는 방법에 대해서
한번 이야기해보도록 하겠습니다
여러 상황이 있는데 그중에서
특히 2인 대화 씬이 굉장히 자주 등장을 합니다
하나의 씬이나 시퀀스가 시작할 때
작가가 독자에게 전달해야 하는 내용은 보통 이렇죠?
대화를 할 때 대화가 벌어지고 있는 이 장소
그리고 대화가 벌어지고 있는 시간
두 사람이 어떤 간격으로 어떤 자세로 있는지
어떤 대화 내용이 오가는지
그 대화의 콘텐츠
그리고 대화를 하면서 이 두 사람 간에
어떤 감정 변화가 있는지
이거를 이야기를 해야겠죠 작가가
그러니까 두 사람이 서로 뭔가 콘텐츠를 주고받고 있어요
전통적으로는 이 대화 시퀀스가 시작할 때
가장 먼 카메라를 사용해요
왜냐하면 관객들을 독자가 이렇게 데려다 주는 거죠
여기서 일어나고 있는 일이야
멀리서 다가오듯이 가장 먼 카메라를 사용합니다
그리고 점점 대화하고 있는 대상으로
카메라를 좁혀 쓰는 방식을 씁니다
이렇게 연출했을 때 가장 부드럽게
독자들에게 멀리서 상황을 설명할 수 있겠죠
제가 만든 표를 한번 볼까요?
기능에 따라서는 이런 샷들이 있겠죠
이건 외우지 않으셔도 됩니다
설정 샷 있고, 마스터 샷 있고, 커버리지 샷이 있고
마스터 샷, 그리고 다시 설정 샷 이렇게 있을 수가 있고,
또 거리에 따라서는 멀게 찍은 익스트림 롱샷
가장 멀게 그리고 롱샷, 그리고 풀샷 머리부터 발끝까지
그리고 미디엄 샷 여기, 그리고 클로즈업 샷 여기
그리고 익스트림 클로즈업 샷 이렇게 있죠
아까 말씀드렸던
멀리서 대화하고 있는 장소를 일단 보여주고
설정 샷이라고도 하죠
독자들이 이런 장소에서 이야기를 하고 있구나
방은 이렇고, 그 벽의 색깔은 이렇고
또 바닥은 이렇고 또 여기에 무슨 테이블이 있고
이런 것들을 볼 수가 있겠죠
그리고 마스터 샷에 와서는
풀샷으로 이 두 사람이 어떻게 서 있는지
이 두 사람이 어떤 간격으로 있는지
또 무슨 행동을 하고 있는지
앉아 있는지, 서 있는지
풀샷으로 마스터 샷을 보여주게 되고
그다음부터 직접적인
그리고 본격적인 대화가 시작되는데
이때부터 본론을 얘기하면 좋습니다
설정 샷, 마스터 샷에서는
그냥 스몰토킹이나 이런 거
도입부에 들어가는 말을 하면 좋고
커버리지 샷부터
그런데 너 어제 숙제했어? 안 했는데?
안 하면 어떡해? 이런 식으로 본론적인 대화를
그때 커버리지 샷의 반복으로 보여주면 됩니다
너 숙제했어? 이런 대화를 할 때
미디엄 샷이라던가
그런데 안 했는데? 라고 할 때
뭔가 감정이 동요가 될 때
그때 클로즈업 샷을 보여줘서 표정을 잘 보여준다던가
지금 안 하면 어떡해? 시간이 몇 시인데? 라고
시계를 보여줘서 인서트 샷을 넣는 거죠
인서트 샷을 익스트림 클로즈업 샷으로 넣는다던가
시간이 몇 시인데? 라고 보여주고
또 카메라 멀어지고 미디엄 샷으로
어떡하지? 어떡하지? 나 지금부터 할게
이런 장면을 보여준다던가
이거를 대사에 따라서
콘텐츠에 따라서 반복을 하면 됩니다
그리고 이 대사가, 이 대화가 끝났으면
대화를 마무리하기 전에
마무리하는 느낌으로 다시 카메라가 멀어져요
멀어져서 다시 풀샷, 마스터샷 반복하고
그러면 내일 연락해 하면서 풀샷 보여주고
카메라 다시 멀어지면서 설정샷,
그런데 돌아가면서 아, 근데 하려나 모르겠네
이런 대사를 하면서 멀어지는 카메라로
다시 이 방을 보여주는 거죠
그래서 이야기에서 완전히 멀어지거나
그 완결성을 강조하고 싶으면
마지막에 더 멀어지면서 익스트림 클로즈업 샷으로
더 완결성 있게 배경을 멀리 또 보여주면서
이렇게 대화를 마무리할 수도 있습니다
대화 내용이 길다면
이 커버리지 샷이나 이런 샷들이 무한 반복되겠죠
그러니까 그 대화 길이에 맞춰서
이 샷들이 반복이 되는 겁니다
그래서 어디에서 몇 개, 어디에서 몇 개
이런 법칙 같은 건 없고요
그 대화 내용이 어떠냐에 따라서 많이 달라지게 됩니다
그런데 원칙적으로는 이렇게 하면 자연스러워요
이게 정답이라는 말이 아니라
자연스럽게 독자들이 받아들인다는 말입니다
이때 각도를 자유롭게 움직여도 됩니다
하지만 제가 아까 말씀드린 가독성을 위해서는
카메라를 너무 과격하게
우리는 휘두른다고 말하는데 휘두르지 마세요
휘두르지 말고 의도가 있게 움직이셔야 됩니다
카메라는 굉장히 조심하셔야 되고
또 웬만하면 180도 룰
아까 말씀드린 대로 지켜주시면 좋고
각 컷에서 그러니까 180도 룰을 지킨다는 말은
각 컷에서 등장인물의 방향이
움직이지 않도록 해주시는 것이 좋습니다
그런데 이 순서들
이게 전통적인 방식이라고 생각이 드는데
하지만 때때로 연출 의도에 따라서
또 작가의 성향에 따라서
강조하고 싶은 내용에 따라서
이거의 순서를 바꿔버리는 경우도
생각보다 많이 있습니다
저만 해도 꽤 자주 이 법칙을 변형시켜서
연출을 진행하곤 합니다
커버리지 샷 중에서 클로즈업 샷이나
익스트림 클로즈업 샷을 먼저 쓰고
그 다음에 미디엄 샷
그 다음에 설정 샷을 보여주는 경우가 꽤 많았습니다
제가 왜 그렇게 썼을까요?
바로 전통적이고 편안한 연출 순서를 뒤바꿈으로써
제가 강조하고 싶은 내용에 집중하게 만들기 위함이었어요
그러니까 강조하고 싶은 대화 내용이 있다면
순서를 바꿔보세요
예를 들어서 어떤 충격적인 대상이 있을까요?
네가 사귀고 있던 걔
옛날에 헤어진 누구누구였잖아
이런 충격적인 대사가 있으면
그걸 강조하기 위해서
그 대사와 함께 클로즈업 샷을 먼저 쓴 다음에
뭐라고? 라고 미디엄 샷 쓰고
그 다음에 배경을 보여줘서 설정 샷 넣고
이렇게 뭔가 연출을 세련되게 바꿀 수 있습니다
시각적 연출을 잘하는 것은
마치 말을 잘하는 거랑 비슷하다고 생각이 들어요
구어 능력이 뛰어난 사람들은
자신에게 일어난 일의 공간적 배경
시간적 배경과 함께 이야기에 몰입할 수 있도록
듣는 사람에게 충분하게 디테일을 전달하죠
앞뒤 맥락 없이 이야기하다가
이리저리 갔다가 저리 갔다가 횡설수설하게 되면
듣는 사람이 지루해하고 집중을 전혀 안 하게 됩니다
말하는 것과 비슷하게
우리가 웹툰 연출을 할 때도
작품을 보는 사람이 이해를 할 수 있도록
친절하게 인도를 해야 됩니다
그렇기 때문에 독자를 편안하게
대화 내용으로 이끌기 위해서는
여러 가지 부연 정보들을 충분히 설명했던 거고요
그래서 설정 샷을 넣고 또 마스터 샷을 넣고
그렇게 다가오는 방식으로 할 수도 있고
카메라가 시계를 본다
그러면 시계를 비춘다든가 이렇게
감정 표현을 한다 그러면 얼굴을 비춘다든가
이렇게 연출을 이해하기 쉽도록
구성을 해보시는 것이 좋습니다
이게 말로만 들으니까 좀 어렵죠?
그럴 때는 직접 그려보시는 것이 가장 좋습니다
원고를 많이 많이 그리시다 보면
이론으로는 어렵게만 느껴졌던 것들이
아마 쉽게 이해가 될 겁니다
이렇게 제가 원고 작업을 하면서 느꼈던
법만의 작가 비법 그리고 연출 비법 중
몇 개를 이야기를 해보았습니다
어떤 분들에게는 이미 아는 내용일 수 있고
어떤 분들에게는 다소 생소한 이야기일 수 있는데요
원고를 작업하다 보면 벽에 부딪힌 듯이
뭔가 막막할 때가 옵니다
그때는 정말로 머리가 멍해지고
앞이 안 보이고
어떻게 이 난관을 헤쳐나가야 할지 고민이죠
그럴 때는 다른 작가님이 어떻게 하시나
여쭤보기도 하고
저 역시 그들의 비법을 여쭤보기도 하죠
여러분들도 원고를 하다가 막힐 때가 오면
제가 여태까지 말씀드린 방법들을 한번 써보시길 바랍니다
돌배 작가였습니다
감사합니다
정리하기 웹툰에서의 좋은 연출 방법 웹툰 연출 글로 된 이야기를 눈으로 볼 수 있도록 시각화하는 작업 웹툰 연출의 특징 글과 글 사이에 연출이 존재함
연출은 까다롭고 개인차가 큰 영역 연출이 스토리 이해를 방해해선 안 됨 가독성을 높이는 연출 되도록 180도 법칙 지키기 3분할 법칙을 고려하기
인물의 시선 방향에 더 많은 여백 주기 풀 샷은 중요한 컷에서만 사용하기 아이레벨 미디엄 샷을 기본으로 설정하기
2인 대화 장면 연출 방법 2인 대화 장면의 전달 요소 대화 장소와 시간 두 사람의 간격과 자세 대화 내용 두 사람의 감정 변화
전통적인 연출 방식 대화 대상에게 점점 가깝게 다가가는 전통적인 연출 방식 대사와 상황에 따라 다양한 샷을 활용해 커버리지 샷 반복
연출 의도나 작가 성향에 따라 전통적인 방식을 꼭 지킬 필요는 없음